吉祥寺JazzSyndicate

 吉祥寺ジャズシンジケートは、東京、吉祥寺の某Barに集まるJazzファンのゆるーいコミュニティです。  コンテンポラリーJazzを中心に、音楽、アート、アニメ、カフェ、バー、面白グッズ、などなど、わがままに、気まぐれに、無責任に発信します。

【美しく妖しいジャズ】

【Disc Review】“La Scala” (Feb.13.1995) Keith Jarrett

“La Scala” (Feb.13.1995) Keith Jarrett
Keith Jarrett (piano)
 
La Scala
Keith Jarrett
Ecm Records
キース ジャレット


 Keith Jarrett、“Vienna Concert” (Jul.1991)から四年後のソロコンサート。
 大傑作。
 スタンダーズでは “Keith Jarrett at the Blue Note” (Jun.1994)、“Tokyo '96” (Mar.1996)の間。
 本作ももちろん1970年代型ではなく、1980年代~の型のソロピアノ。
 現代音楽的な色合いも強い"Dark Intervals"(Apl.1987)を経て、”Paris Concert” (Oct.1988)、“Vienna Concert” (Jul.1991)あたりではメロディアスさも戻ってきましたが、時間を経るにつれ重厚に抽象的に、あるいはクラシック的になってきている感じがします。
 が、本作、それだけではなく、ここまでの作品とは何か違う凄み。
 “The Köln Concert”ではない、新しいピアノインプロビゼーションのスタイルがここにきて完成を見たようにも思います。
 “The Köln Concert”が大衆小説の大傑作だとすれば、本作は純文学の大傑作。
 人気、わかりやすさ、好みはさておき、本作がKeith Jarrettのソロピアノの最高傑作といっても過言ではないように思います。

 第一部、何かを慈しむような、懐かしむようなとても美しい旋律で幕を開け、静かで淡々とした優しい演奏が十数分続きます。
 が、次第に重苦しい音の流れに変わり、ビートを止めた片手のみでの演奏、さらにはヘビーなビート、スパニッシュなようなアラビアンなような音階・・・深刻な音の流れ、陰鬱で苦し気にも聞こえる演奏。
 それらを経て、冒頭から35分過ぎ、徐々に穏やか、前向きになり、再びリリカルなメロディに戻る展開。
 そこから10分弱、甘すぎることのない、漂うような音の流れの中で静かに幕。
 冒頭、終盤のあまりにも美しい整ったメロディとドラマチックな展開。
 本当にこれも即興なのでしょうか?
 疑いたくもなる素晴らしい演奏、構成。
 唖然としているのか、戸惑っているのか、演奏が終了したことを確認するような間を空けた後の拍手喝采・・・
 が、私見ながら、40分を優に超える長尺な第一部はあくまで予告編に過ぎません。
 それをしのぐ、とてつもない第二部に続きます。

 第二部はフリージャズ~現代音楽的な展開からスタート。
 激しい音の動き。
 おもちゃ箱をひっくり返したような飛び跳ねるような音、怒涛のような演奏の中から現れる日本的な雅な音の流れ。
 それが新たな、そして美しい怒涛に変わります。
 音量、テンポを落とした13分過ぎ辺りから、少し穏やかになった波間にゆったりとした切ないメロディが見え隠れするような、現れては消えていくような展開。
 そこからが10分間以上続くクライマックス。
 止まりそうで止まらないスローのルバート、曖昧なようなはっきりと見えるような何とも微妙な切ないメロディも合わせて、心臓が止まりそうになるような感動的な音。
 グラデーションをつけながら徐々に周囲の景色が変わっていくような音の流れ、次第にまとまり始め、どこか懐かし気なメロディ、インプロビゼーションに続きます。
 そして現れるのは準備されたとしか思えない、とてつもなく美しいメロディ。
 この上なくドラマチックな展開、映画の最後の場面のようなエンディング。
 この部分が、最もカッコいいと思うKeith Jarrettのひとつ。
 “The Köln Concert”前後の名演の連続の中にも、スタンダーズにもカルテットにも、ここまで激しくも繊細で、悲しく美しい音の流れはなかったように思います。
 何度聞いても胸に迫るとてつもなく感動的で素晴らしい演奏。
 ・・・と思っていたら、最後は短い混沌に遷移し、幕・・・
 そしてアンコールは、嵐の後、雨風の余韻が残る空にかかる虹のような、美しいことこの上ない”Over the Rainbow”。
 いやはやなんとも・・・

 全編通じてヘビーな長編映画を通して観たような感覚。
 かつてのソロピアノ演奏は静から動への流れ、明解な起承転結でしたが、この頃は静動が交錯する予測が難しい展開。
 そして最後にとてつもなく美しい旋律、感動的な場面が現れます。
 見方を変えれば、最後の美しい結びを見つけ出し、生み出すために格闘し、葛藤しているようにも聞こえます。
 もし、一部二部ともに終盤の旋律が準備されていたモノではなくて、途中の激しい演奏を経て降りてきたものだとすれば、凡人には想像できないような感性、創造力。
 “Vienna Concert” (Jul.1991)などの一連のコンサートでやろうとしてやり切れなかったことが、ここで結実したようにも思えます。
 新しいクリエイティブのスタイル、公式に残された記録では”Concerts:Bregenz” (May.1981)、”Concerts:Munchen”(Jun.1981)、"Dark Intervals"(Apl.1987)、”Paris Concert”(Oct.1988)、“Vienna Concert” (Jul.1991)を経て出来上がった、1990年代型Keith Jarrettソロピアノのスタイルなのかもしれません。
 そんなことは意識していなかったとしても、とにもかくにも素晴らしい演奏です。
 わかりやすい展開、美しいメロディが、長尺な演奏の終盤に収めれらているため、そこまでたどり着くのが大変なのですが、その構成に気付けば、とてつもない作品、アートが見えてくるように思います。

 ここから二年後、同じくイタリアでのステージ、2016年発表の”A Multitude of Angels” (Oct.23-30.1996)などを経て療養入り。
 こんなことばかりしていると疲れるのも当たり前でしょう。
 この後しばらく間を空けて、“The Melody At Night, With You” (1998)でまた新たな姿で復活を遂げます。
 本作の最後、あるいは”A Multitude Of Angels”の最終トラック、”Over the Rainbow”が、その冒頭曲“I Loves You, Porgy”の穏やかな演奏に繋がっているように聞こえるのは、きっと気のせいなのでしょう。

 


posted by H.A.


【Disc Review】“Vespers” (2010) Iro Haarla Quintet

“Vespers” (2010) Iro Haarla Quintet
Iro Haarla (Piano, Harp)
Mathias Eick (Trumpet) Trygve Seim (Tenor, Soprano Saxophone) Ulf Krokfors   (Double-Bass) Jon Christensen (Drums)
 
Vespers
Iro Quintet Haarla
Ecm Records
2011-04-12
イロ・ハールラ

 フィンランドの女性ピアニストIro Haarla、リーダー作としてはECM第二作。たぶん。
 大名作。
 前作“Northbound” (2004)から、かなり時間が経っていますが、メンバーは全く同じ。
 本作も前作と同様、ほぼ全編ルバートでのスローバラード。
 強い浮遊感のとても優雅な演奏のオンパレード、ほどほどの妖しさ、寂寥感は前作そのままですが、さらに、もっと穏やかで優し気。
 懐かし気な感じ、郷愁感が強くなり、逆に沈痛系の場面は少なくなっているように思います。 
 優雅なピアノとハープ、強い寂寥感を発するホーンの浮遊感の強いアンサンブルの絡み合い。
 誰も激しい音や性急なフレーズを出さない中で、ゆったりとした上質な時間が過ぎていきます。
 前作を聞く限り、淡い色合い、甘いメロディやキャッチーさをあまり前面に出さないタイプかと思っていましたが、本作にはわかりやすいメロディの楽曲が何曲も収められています。
 冒頭の”A Port on a Distant Shore”、最後の”Adieu”など、タイトル通りとても悲し気、かつハードボイルド、それでいてふわりとした感じが残るとても素敵なメロディ。
 それらを今にも止まりそうなスローのルバートで演奏するのだから・・・・・・
 “Satoyama”なんて曲もあり、トランペットが尺八風に、ハープが琴風に響くとても典雅な演奏。
 その他諸々、素敵なメロディ、演奏が揃っています。
 各曲自体がドラマチックな構成になっていますが、アルバム全体のコンセプトも何らかのストーリー性をもった構成なのでしょう。
 最初から最後まで通して聞くと何か見えてきそうな、想像力を掻き立てる音作り。
 それでいてどのトラックから再生しても、とても素敵な世界が広がります。 
 本作も前作に引き続き、とても素敵な北欧旅情、トリップミュージックです。
 空気感はひんやりとしていながら、なぜか穏やかで優し気。
 まさにジャケットのような音。
 きっとスカンジナビアの空気なのでしょう。 




posted by H.A.


【Disc Review】“Encounter” (1976、1977) Flora Purim

“Encounter” (1976、1977) Flora Purim

Flora Purim (Vocals)
George Duke (Piano, Electric Piano, Synthesizer) Hermeto Pascoal (Electric Piano, Clavinet, Vocals) McCoy Tyner (Piano) Hugo Fattoruso (Synthesizer)
Alphonso Johnson, Byron Miller (Electric Bass) Ron Carter (Acoustic Bass)
Airto (Drums, Congas, Percussion) Leon Ndugu Chancler (Drums)
Joe Henderson (Tenor Saxophone) Raul De Souza (Trombone)
 
Encounter
Flora Purim
フローラ・プリム



 Flora Purim、どれだけ有名な作品なのかはわかりませんが、私的大名作。
 Chick CoreaもStaley Clarkも参加していませんが、“Return to Forever” (Feb.1972)、 “Light as a Feather” (Oct.1972)に続くReturn to Foreverの作品はこれ、ってな感じが似合うサウンド。
 それらに並ぶような・・・は少々大げさなのかもしれませんが、そんな大名作だと思います。

 この期のファンクな音は抑えられ、いかにもブラジリアンなとても柔らかでしなやかなビート、幻想的なムードとほどほどの洗練が絡み合うブラジリアンコンテンポラリージャズってな面持ち。 
 同時期のド強烈なファンクアルバム“Open Your Eyes You Can Fly” (1976)、“That's What She Said” (1976)がGeorge Duke+Alphonso Johnsonの色合いだとすれば、こちらはHermeto Pascoal+Ron Carter。
 穏やかで柔らか。
 ジャズ、ファンク、ポップスのバランスの取れた前々作“Stories to Tell” (1974)よりもさらに穏やかなイメージ。
 ここまでの作品、質感に大きな幅はあれど、MPBにカテゴライズすると落ち着きそうな内容でしたが、本作は「コンテンポラリージャズ」の色合い。
 全編しっとりとしたイメージに加えて、4ビートの場面もしばしば、少しながら初期Return to Foreverのムードもあり、ジャジーなFlora Purimが戻ってきています。
 多くの楽曲を提供したブラジリアンHermeto Pascoal、さらにRon Carterの柔らかなベースの色合いが強いのでしょう。
 ファンクナンバー、サイケな色もありますが、それらもマイルドな質感。

 冒頭のChic Coreaの”Windows”から、柔らかなビート、サックスが醸し出すジャジーなムード。
 続くは、優しいHermeto Pascoalのブラジリアンメロディ、スキャットが交錯する幻想的なバラード。 
 さらに美しいエレピに導かれる漂うようなバラードから、高速な4ビートでのインプロビゼーション。
 Hermeto Pascoalのエレピのフワフワとした感じと、自身のいかにもブラジリアンな柔らかで切ないメロディの組み合わせは最高。
 さらにRon Carterはジャズっぽさ、柔らかさに加えて、Miles Davis黄金のクインテット時を想い起こさせる伸び縮みするビートもしばしば。 
 これだけ穏やかな音だと、さすがのFloraさんもあまり頻繁に奇声を上げることが出来なくて・・・
 それでも常時感じられる強烈なグルーヴは、ブラジリアンフュージョン最高のリズム隊ならでは、と言っておきましょう。
 4ビートかと思っていると思うとサンバになったり、その他諸々カッコいいビートの曲が並びます。
 
 LPレコードB面に移ると重厚なMcCoy Tynerのピアノとスキャットとの幻想的な絡み合い等々、素晴らしい演奏が続きます。
 時折の4ビート、さらにエレクトリックマイルス的な激しさと狂気が入り混じるような音。
 最後も漂うような定まりそうで定まらないルバート的な展開から、強烈なJoe Hendersonのサックスと幻想的なスキャットとの絡みで締め。

 Flora Purim の私的ベストを上げるとすれば、本作か、“Stories to Tell” (1974)。
 ジャズの人は本作、ファンクが好きな人は“Open Your Eyes You Can Fly” (1976)、諸々のバランスが取れていて洗練されているのは“Stories to Tell” (1974)、洗練されたAORがよければ“Everyday Everynight” (1978)、といったところでしょうか。
 いずれにしても作品の色合いの幅が広い人ですが、柔らかな音、ジャズ寄りならば、本作で決まりでしょう。


 

posted by H.A.  


【Disc Review】“Andrés Beeuwsaert” (2015) Andrés Beeuwsaert

“Andrés Beeuwsaert” (2015) Andrés Beeuwsaert
Andrés Beeuwsaert (Piano, Voice)
Juan Pablo Di Leone (Flutes, Harmonica, Voice)
Tatiana Parra (Voice) Vardan Ovsepian (Piano)
 
Andres Beeuwsaert
Andres Beeuwsaert
NRT
2016-10-15
アンドレス・ベエウサエルト

 アルゼンチン、現代フォルクローレ~ジャズのピアニストAndrés Beeuwsaert、東京でのライブ録音。
 前半五曲ほどがソロでのピアノとボイス、三曲がハーモニカ、フルートとのDuo、最後の二曲にTatiana Parra、Vardan Ovsepianが加わります。
 Juan Pablo Di Leone は現代フォルクローレの中心人物の一人Carlos Aguirreとつながる人。
 Tatiana Parra は名作“Aqui” (2010)での名コンビ、Vardan OvsepianはそのTatiana ParraとのDuo作品“Lighthouse” (2014), “Hand In Hand” (2016) などを作っている間柄。
 といったところで、現代フォルクローレ、南米音楽の旬なところを集めた豪華なライブ。
 さらに楽曲は、“Dos ríos” (2008)、“Cruces” (2012)といった名作からのチョイスに加えて、Hugo Fattoruso、Mário Laginha、Mono FontanaCarlos AguirreAndré Mehmari、Sérgio Santosなど、この筋が好きな人からすれば、なるほどねえ・・・な名前、メロディが並んでいます。
 哀愁、郷愁が漂うメロディアスな楽曲が並びます。

 穏やかで柔らかなピアノとハミングでスタート。
 “Cruces” (2012)などのコンボ作品とはまた違った質感。
 元々上品な音の人ですが、さらに余分なもの削ぎ落としたような上品さ柔らかさの優しい音。
 穏やかなせせらぎか、緩やかな風のような空気感。
 これはソロ、少人数でなければ出せないムードでしょう。
 微妙なタメと要所での疾走感が交錯する、とても優雅ピアノはいつも通り。
 それら含めてブラジルのAndré Mehmariと似た音使いも目立ちますが、そちらよりも線が細くて、かつ柔らかい音、穏やかな表情。
 さらに、よりジャズっぽい音。
 とても美しいピアノミュージックですが、Keith Jarrett の“The Köln Concert” (Jan.1975)などのような激甘なメロディや、激情や狂気のようなものはなく、あくまで淡い色合い。
 刺激的ではありませんが、それが今の時代には合っているようにも思います。
 数曲のハミング~呟くようなボーカルも寂寥感を醸し出していい感じ。
 ハーモニカ、フルートが加わってもその穏やかで優雅な表情は変わりません。
 終盤、ようやく強い音、速い音が前面に出る演奏。
 さらにTatiana Parraが合流するとテンションとスピードが上がりますが、やはり優雅、優美です。
 これは、いや、これもここまでのリーダー作同様に名作です。




posted by H.A.

【Disc Review】“Le Voyage de Sahar” (2006) Anouar Brahem

“Le Voyage de Sahar” (2006) Anouar Brahem
Anouar Brahem (Oud)
François Couturier (Piano) Jean-Louis Matinier (Accordion)

Le Voyage De Sahar
Universal Music LLC
アヌアル・ブラヒム


 チュニジアのウード奏者Anouar Brahem、“Le Voyage de Sahar” (2001)に続くトリオ作品。
 メンバーも同じフランス勢。
 タイトルは「サハールの旅」。
 サハールが人名なのか地名なのかはわかりません。
 いずれにしても何かしらの旅をイメージした組曲ではあるのでしょう。
 いつもながらに綿々と淡々と続く悲し気なメロディ。
 全編陰鬱ではないのですが、基本的には沈んだムード。
 どこか遠いところへ向けた、いわく付きの旅程、そんなイメージ。
 前作に比べると楽曲のメロディの芯が明確で、躍動感もあるように感じます。
 バンドとしての音の作りもまとまってきた印象。
 郷愁感溢れるアコーディオン、寂寥感漂うウード、気品溢れるピアノ。
 それらが複雑にフレキシブルに絡み合うスタイルは前作と同様ですが、よりスッキリしてきているように感じます。
 前作はアンサンブルと集団即興的な演奏が印象に残りましたが、本作では背景を作る役目とフロントに出る役割の分担が明確な場面が増えたイメージ。
 ウードはもちろん、ピアノ、アコーディオンのインプロビゼーションのスペースも多め。
 善し悪しは好みでしょうが、本作の方がジャズ的な色合いが強いように感じます。
 もちろん全編アラブ的なエスニックテイストなのですが、ヨーロピアン・コンテンポラリー・ジャズな場面もしばしば。
 その分、この人の諸作の中でも馴染みやすい作品かもしれません。
 全編に漂う寂寥感。
 穏やかで淡々としているけども、憂いに満ちた悲し気な旅。
 そんな音です。




posted by H.A.
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